Introduction of an artist(アーティスト紹介)
画家人物像
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ギュスターヴ・モロー Gustave Moreau
1826-1898 | フランス | 象徴主義




フランス象徴主義における先駆的画家。濃厚にも軽快にも感じられる個性的な色彩表現と、女性的と比喩される繊細な線描による華麗で神秘的な独自の様式を確立。手がけた主題(画題)は歴史画や神話画が大半であるが、その解釈は画家独特のものであり、幻想性と宝石細工のような美しさに溢れている。また大作の多くは油彩画であるが、水彩による習作やデッサンなどにも画家の卓越した力量が示されている。1826年、建築家(建築技官)であった父ルイ・モローと音楽家の母ポーリヌ・デムティエの間にパリで生まれ、幼少期からデッサンなどで才能を示す。1839年、パリのコレージュ・ド・ロラン(ロラン中学校)へ寄宿生として入るも年少であった為に馴染めず。翌1840年、妹カミーユが死去、激しい衝撃を受ける。1846年、国立美術学校に入学し、新古典主義の画家フランソワ・ピコの教室で学ぶ。1849年、ローマ賞の獲得を望むが失敗。1850年、影響を受けていたロマン主義の巨匠ウジェーヌ・ドラクロワに進路について相談するほか、数年前にシャセリオーが手がけた会計監査院の壁画(1871年のパリ・コミューンで破壊されている)を見て強く感銘を受け、ピコの教室を離れて同氏に師事、画家としても大きな影響を受ける。1852年、ピエタ(現在は行方不明)を官展(サロン)に出品、好評を博す。その後、社交界へ頻繁に出入りするも、1856年、シャセリオーが死去。親友でもあった師の他界に大きな打撃を受け、1857年には社交界と縁を切り、数ヶ月間、自宅に引き篭った後、イタリアへと旅立つ。ローマ、フィレンツェなどを滞在し、ダ・ヴィンチミケランジェロラファエロ、ソドマ、ヴェロネーゼコレッジョティツィアーノマンテーニャヴァン・ダイクホルバインなど過去の巨匠らの作品の模写をおこない、ドラクロワやシャセリオー風の様式を脱し、独自のスタイルを確立するきっかけを得る。また同地でエドガー・ドガらとも知り合う。1859年、パリへ帰国。1864年、十年ぶりにサロンへ作品を出品。復帰作『オイディプスとスフィンクス』が好評を博す。その後、サロンや個展、万国博覧会などで作品を展示し、画家としての名声を確固たるものとしてゆくも、画家自身は孤高の存在であった。1888年、美術アカデミー会員に選出、1891年からはエコール・デ・ボザール(国立美術学校)の教授となり、20世紀を代表する画家ジョルジュ・ルオーや野獣派(フォーヴィスム)の大画家アンリ・マティスらを教える。1898年、癌のために死去。なお生涯独身であったモローは人間嫌いだと言われていたが、今日では当時台頭していた写実主義や印象主義の風潮を拒否した為だとされている。
Description of a work (作品の解説)
Work figure (作品図)
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オイディプスとスフィンクス

 (Œdipe et le Sphinx) 1864年
206.4×104.7cm | 油彩・画布 | メトロポリタン美術館

19世紀フランス象徴主義の先駆者ギュスターヴ・モロー随一の代表作『オイディプスとスフィンクス』。イタリアへでの修行旅行を終えたモローが、10年ぶりにサロンへと復帰した1864年に制作された本作は、テバイの住人を苦しめていた女性の頭部と獅子の肉体を持つ怪物スフィンクスに「朝は4足、昼は2足、夜は3足で歩むものは何か?答えられたらテバイの地を与えよう。答えられなかったらお前を殺す」と謎をかけられる(未来のテバイ王)オイディプスの最も有名な神話上の逸話のひとつ≪オイディプスとスフィンクス≫を主題にした作品である。画面中央よりやや右側に描かれるオイディプスは、息子に殺害されるとの(太陽神アポロンの)神託を受けたテバイ王ライオスによって幼少期に殺されかけたものの、家臣によって救い出され美しい青年に成長したとされており、本作でもその端整な姿は踏襲されている。画面のほぼ中央に描き込まれる怪物スフィンクスはオイディプスの身体にしがみつきながら挑発的に見つめており、その視線にはある種の力強さと恐怖を感じさせる。さらに画面下部には、今まで謎かけに答えられず怪物スフィンクスに殺害された者たちの土気色の亡骸(手足)が描き込まれており、この危機的状況における緊張感を強調している。本作で最も注目すべき点は、オイディプスとスフィンクスの関係性にある。獅子の肉体をオイディプスの身体にしがみつけ挑発的な視線を向けるスフィンクスは猛々しく逞しさを感じさせるのに対し、オイディプスは端整で美しくありながらも答えるしか生き残る術が無く、非常に無力的である。このような男性の受動的な扱いは、同主題のみならず主題の取り組みとしても過去に類が無く、当時の時代的傾向が反映されているとも捉えることができる。各構成要素の表現にはアンドレア・マンテーニャペルジーノヴィトーレ・カルパッチョなどルネサンス期のイタリアの巨匠らの影響を感じさせるものの、このような非伝統的かつ精神性深い場面描写にはモローの独自性を強く見出すことができ、サロン出品時でも批評家たちから高く評価され画家の名を一躍有名にした。

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イアソン

 (Jason) 1865年
204.1×115.5cm | 油彩・画布 | オルセー美術館(パリ)

象徴主義の孤高なる巨匠ギュスターヴ・モロー初期の典型的な作例のひとつ『イアソン』。1865年のサロン出品されメダルを獲得した作品である本作は、叔父から王位を継ぐために、アイエテス王の宝物である金羊毛皮を守護する怪物を退治するイオルコスの王子≪イアソン≫を描いた神話画作品である。かつて旅行したイタリアで最初に手がけたジョヴァンニ・アントニオ・バッツィ(通称ソドマ)の同名の作品に基づく模写作品『アレクサンダーとロクサネの結婚』の姿態の流用が認められる本作では、画面中央へ右手を掲げ己の勝利を確信するイアソンの堂々たる姿が配されており、そのすぐ後ろにはイアソンに恋心を抱いたアイエテス王の娘メディア王女が眠り薬(※イアソンはメディアが怪物に眠り薬を飲ませて深い眠りについたところを退治したとされている)を手にしながら寄り添っている。イアソンの足下には折れた槍が刺さり絶命する怪物が配されているが、伝説上では龍とされる怪物は本作では鷲の上半身と獅子の下半身をもつグリフォンの姿で表現されている。ルネサンス期の古典的表現に基づいた優美的なイアソンやメディアの姿態や装飾的で幻想的な場面表現、金杯や盾などの小物類の緻密な描写なども特筆に値する出来栄えではあるものの、本作で最も注目すべき点はイアソンとメディアの関係性にある。本作の主役は題名からも右手を高らかと掲げ勝利を宣言するイアソンであるものの、その姿にはどこか若輩さを感じさせ、背後のメディアに導かれて(操られ)の勝利であるかのような印象すら感じることができる。メディアのイアソンに向けられる視線も恋心が高まりもはや偏執的な愛へと変貌したかの如く、病的な執着性を見出すことができる(事実、その後イアソンは別の女性との結婚を試みるものの、メディアによって別の女性は殺害されてしまう)。このように悲劇的運命にある両者の後の関係性をも予感させるイアソンとメディアの姿が、画家の卓越した表現力によって本作中にありありと示されているのである。

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オルフェウスの首を運ぶトラキアの娘


(Jeune fille thrace portrait la tête d'Orphée) 1865年
154×99.5cm | 油彩・画布 | オルセー美術館(パリ)

フランス象徴主義の偉大なる巨星ギュスターヴ・モロー随一の代表作『オルフェウスの首を運ぶトラキアの娘』。1866年のサロン出品作(その後、国家の買い上げとなった)であり、翌1867年のパリ万博の出展作としても知られる本作は、ギリシア神話に登場する吟遊詩人で、歌と竪琴の名手としても語り継がれる≪オルフェウス≫の首と竪琴を抱きかかえるトラキア(※現ギリシア・トルコの古代の地名)の若い娘を描いた作品である。神話上では、愛妻エウリュディケとの永遠の死別に絶望したオルフェウスは、冥府の秘儀を男性のみに伝え、全ての女性を避けたことが原因で、(トラキアに住む)酒神バッコスの信女たちに八つ裂きにされた後、海に投げ込まれ、その後、トラキア(レスボス島)の若い娘に岸辺に流れ着いたオルフェウスの首と竪琴を拾われたとされており、本作ではその最後の場面が描かれている。画面中央やや左側に配されるトラキアの若い娘は八つ裂きにされ死したオルフェウスの首と艶やかな竪琴を大事そうに抱えながら、穏やかな表情のオルフェウスへと静かに視線を向けている(なお死したオルフェウスの顔面はミケランジェロの彫刻作品『瀕死の奴隷』に基づいている)。モローの生前、パリで民衆が見ることのできた唯一の画家の作品としても知られる本作を制作するにあたり、モローは数点の習作を制作しており、その昇華的効果は、画面全体から醸し出される詩情性や感傷的心情描写で明確に現れている。本作の表現自体は写実的かつ古典的要素が強いものの、幻想性を感じさせる独特の色彩と甘美性すら感じさせる美意識的描写にはモローの類稀な独自性を容易に見出すことができる。さらに本作に描かれるトラキアの娘の(まるで聖母のような)慈しみに満ちた表情には、良き友人であり画家自身も一時期、多大な影響を受けたロマン主義の画家テオドール・シャセリオーの死への哀悼を指摘する研究者も少なくない。

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プロメテウス

 (Prométhée) 1868年
205×122cm | 油彩・画布 | ギュスターヴ・モロー美術館

19世紀フランス象徴主義における孤高の巨匠ギュスターヴ・モローの代表作『プロメテウス』。1869年のサロン出品作である本作は、神話上の登場人物で、泥土から人間を想像することのできるティタン神族(巨人族)≪プロメテウス≫が火神ウルカヌスの鍛冶場から炎を盗み出し人間へ与えたことで主神ユピテルの逆鱗に触れ、カウカソス山頂に鎖でつながれ、永遠に肝臓を高貴なる鷲に啄ばまれる罰(肝臓は毎日再生したとされている)を受ける場面≪鎖につながれたプロメテウス≫を主題に制作された作品で、その保守的な作風によってモローの独創性を評価し望んでいた人々から酷評を受けたことでもよく知られている(※モローはこの酷評によって1876年までサロンへの出品を止めてしまう)。画面中央やや左側へ配されるプロメテウスは真横を向け遥か彼方へと視線を向けるかのように、どこか一点を見つめている。この気高く、どこか不可侵性を感じさせるプロメテウスの横顔から本作は予てから『キリストの顔を持つプロメテウス』とも呼ばれている。筋骨隆々とした肉体美ながら主神ユピテルによって両手足は鎖につながれており、ここから逃げ出すことは叶わない。そして画面左側にはプロメテウスの肝臓を残酷に啄ばむ聖なる鷲が配されているものの、その姿は邪悪的な禿鷹を容易に連想することができる。本作で最も注目すべき点は残酷的な場面の中に漂う匂い発つようなモロー独特の甘美性にある。先にも述べたよう本作に描かれるプロメテウスの横顔は一見しただけではティタン神族(巨人族)とは思えぬほど男性的な気品と端整な造形を示しており、逞しい肉体と相まって非常に甘美的な印象を観る者に与える。そこには卑俗な性的隠喩は感じられず、古典的な理想美を見出すことができる。さらに鋭く尖った岩肌が特徴的な垂直が強調されるカウカソス山の幻想的な雰囲気がそれらを強調する効果を生み出している。これらは数年前(1864年)にモローがサロンへと出品した『オイディプスとスフィンクス』の独創性を期待していた人々には、物足りなさを感じさせ、モローの保守的展開が激しく批難される要因となってしまったものの、作品自体の完成度や画家の作品に通じる幻想性は今も色褪せず観る者を魅了し続ける。

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出現

 (L'Apparition) 1874-1876年
105×72cm | 水彩・紙 | ルーヴル美術館(パリ)

19世紀のフランスで活躍した孤高の画家であり、象徴主義の先駆者でもあるギュスターヴ・モローが50歳の時に制作した傑作『出現』。本作に描かれる主題は、ユダヤ王ヘロデ=アンティパスの姪で、その後妻ヘロデヤの娘サロメがヘロデ王の前で踊り、褒美として、洗礼者ヨハネ(バプテスマのヨハネ)の首を求めたとされる場面≪ヘロデ王の前で踊るサロメ≫であるが、本作では斬首された洗礼者ヨハネの首がサロメの目前に出現した場面をモロー独自の解釈で幻想的に描いている。なお『出現』は複数制作されており、サロンに出典された本水彩画版の他に、フォッグ美術館が所蔵するひと回り大きい『出現』や、パリのギュスターヴ・モロー美術館が所蔵する『出現』が最も完成度が高い作品として知られているほか、『ヘロデ王の前で踊るサロメ』、『踊るサロメ(刺青のサロメ、入れ墨のサロメ)』など本画題≪ヘロデ王の前で踊るサロメ≫のみ(洗礼者ヨハネの首を配さない)を描いた作品も複数手がけている。

関連:フォッグ美術館 『出現』
関連:ギュスターヴ・モロー美術館 『出現』
関連:アーマンド・ハマー美術館 『ヘロデ王の前で踊るサロメ』
関連:ギュスターヴ・モロー美術館 『踊るサロメ』

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ユピテルとセメレ

 (Jupiter et Sémélé) 1895年
213×118cm | 油彩・画布 | ギュスターヴ・モロー美術館

19世紀フランス象徴主義の大画家ギュスターヴ・モローが最晩年に制作した随一の大作『ユピテルとセメレ』。モローが死の3年前となる1895年に、わずか4ヶ月で仕上げたとの逸話も残される本作は、神話≪ユピテルとセメレ≫を主題に独自的解釈に基づいて構成された大作中の大作である。本作の主題≪ユピテルとセメレ≫は、主神ユピテルと結ばれ、その子を身篭ったテバイ王の娘セメレに嫉妬する(ユピテルの正妻である)女神ユノに、「お前の愛する男が本当に神であるか確かめてみよ」と唆されたセメレが、ユピテルに一度だけ本当の姿を見せて欲しいと懇願し、ユピテルが仕方なく神の姿に戻った途端、セメレの身体が神の威光(稲妻とされる)に焼き尽くされたとされる内容であるが、本作にはユピテルやセメレの他にも、サテュロス、ファウヌス、ドリュアス、ハマドリュアス、天使、妖精、聖鳥(鷲)など神話・宗教を問わず様々な要素が独自的解釈に基づきながら取り入れられている。また本作には神話上の主題≪ユピテルとセメレ≫の他にも、側面的に神と人間との結婚≪聖婚≫の象徴化への取り組みとも解釈する研究者も多い(モローは1875年頃から聖婚の取り組みひとつとして『レダ』を画題とした作品を複数手がけていることも知られている)。画面中央からやや上に配される主神ユピテルは、赤々とした稲妻を背後に伴いながら玉座に君臨しており、その姿は神としての威厳に満ち溢れている。その傍ら(ユピテルの右手側)に配されるセメレは白く輝く肌が高貴な身体を甘美に反らせながら、ユピテルへと視線を向けている。神話画としても(ある種の)宗教的図像としても伝統的展開から大きく逸脱し、異国的な雰囲気さえ感じさせる本作の、非常に緻密で繊細な描写による複雑な構成や、無秩序的ながら華麗さと調和を感じさせる個性的な色彩表現、幻想性や神秘性を強調する流麗で儚げな線描などには、晩年期とは思えないほど画家の野心を見出すことができる。なお本作の構図は当初、新古典主義の巨匠アングルの『ユピテルとテテュス』に着想を得られていた。

関連:1875年頃制作 『レダ』
関連:1890-95年頃制作 『ユピテルとセメレ』

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